El final es más fiel a la novela que la protagonizada por Charlton Heston, si bien la licencia que se permitieron entonces ha pasado a los anales de la Historia del Cine.

Esta versión gana en espectacularidad y ritmo aunque, como suele pasar con las adaptaciones estadounidenses, añaden buenas dosis de acción a la historia original, perdiéndose por el camino parte del trasfondo y el “mensaje” de la novela.

A pesar del éxito relativo de taquilla y el deseo de la mayor parte del reparto de participar en una secuela, Tim Burton afirmó al ser interrogado al respecto que prefería tirarse por una ventana. No deja de chocar que se tratase de un sueño hecho realidad la reversión de una de sus historias favoritas para luego rechazar en pleno la posibilidad de continuar la historia. Quizá es de los que piensan que nunca segundas partes fueron buenas…

Leonardo di caprio hace una buena interpretacion al igual que todo el reparto de actores y actrices , la trama se desenvuelve muy bien por lo que no te da tiempo a aburrirte ,las 2 horas y pico que dura la pelicula te mantiene en tension , lo cual a mi me encanta.

Resumiendo … un 8 sobre 10.
ADVERTENCIA:
Si eres una persona muy sensible te recomiendo que no la veas porque tiene escenas un poco fuertes.

Tras unos cuarenta y cinco primeros minutos realmente prometedores e incluso rozando el prodigio a Jackson se le va la pinza, abusando de las escenas oníricas fantastiosas (este tipo de escenas suelen ser espectaculares y curiosas, pero aquí llega a un punto que desespera) y metiendo otras escenas sumamente exageradas, inverosímiles y estúpidas.

Hay que destacar la alta calidad de su estilo visual, lo peor es que empieza fascinando y termina cansando por resultar tan recurrente. La fotografía y la banda sonora compuesta por Brian Eno resultan notables y salvan la película del cataclismo.

La mayoría de sus actores realiza un buen trabajo, destacando Mark Whalberg (convincente y expresivo), Stanley Tucci (como frío y retorcido asesino) y Saoirse Ronan en su papel de Susie Salmon, la cual destaca que tiene mucho talento. No destaco a Rachel Weisz porque su labor es muy discretita (algo raro, pero cierto) ni a Susan Sarandon porque su personaje es ridículo y totalmente fuera de lugar, aparte de intentar hacer gracia y lo que da es vergüenza.

Desaprovechada historia y desaprovechados actores para una película ligeramente pasable, sostenida únicamente por una buena calidad artística y técnica.

Deja un hondo mensaje de perdón, de esperanza y de amor… también me recordó lo frágiles que somos y que antes de salir por la puerta de mi casa debo decirles a todos que los amo, porque no sé si voy a volver… sin duda una película magistral y la música de Eno, mejor todavía!!

Ya en la primera visión televisiva de hace unos días, gracias al estupendo programa “Cine-club” de la 2 de TVE (películas en v.o.s. y con el formato de pantalla respetado), quedé impactado por esta extraordinaria “Luz silenciosa” y los majestuosos y complejos movimientos de cámara del cineasta mexicano: planos-secuencia en donde el espacio y el tiempo se diluyen en una armonía única de forma y fondo; planos como epifanías de la contención y la pulcritud morales (los personajes de la historia, de acuerdo con la sinopsis del filme, pertenecen a una comunidad menonita del norte de México); o detalles focales de gran riqueza expresiva y metafórica (esa experiencia humana reflejada en la epidermis del pliegue del cuello del padre-predicador; las cristalinas aguas de la alberca que son un trasunto de la felicidad sensual irradiada por las ondas líquidas; el sendero de espigas que abre el deseo o esas manos que se rozan mientras los “bombones” de Jacques Brel se escuchan sin empalago alguno, en lo que resulta un conmovedor homenaje de Reygadas al inolvidable histrión y cantante).

En definitiva, una depurada puesta en escena en la que la naturaleza despliega toda su fuerza telúrica (la luz deslumbrante, la lluvia torrencial, la noche que se desespereza para caer de nuevo en la tiniebla crepuscular, el estallido de colores saturados; la sinfonía selvático-noctámbula de chillidos, alaridos y mugidos…), mientras dos mujeres (Esther y Marianne) y un hombre (Johan) hablan, se sinceran, se compadecen, se quieren y hieren y se sacrifican, finalmente, para llenarse de nuevo de vida y no volver a sentirse separados del mundo, pues eso es la felicidad para ellos.

Tal vez, para celebrar, como en una oración íntima, que aunque, tal y como se dice en la película: “La paz es más fuerte que el amor”, sólo el amor y la entrega generosos pueden ejercer de bálsamo sanador del espíritu y aliviar el dolor de la pérdida, de la partida inevitables. Y es que, en verdad, los besos de Marianne obran el prodigio de trascender el puro goce sensual para transmitir toda la serenidad espiritual de un amor dadivoso y sacrificado, definitivamente más fuerte que la vida y que la paz, siempre provisional y feble, que concede.

No cabe duda: “Johan, lo superará”.

NB: “Luz silenciosa” está editada en dvd en nuestro país y se encuentra a la venta.

Estamos ante el mejor film de la Nancy Meyers, asumiendo el paso del tiempo en sus personajes, como nos pasa a todos y planteando un conflicto con cierta originalidad, eso si, como siempre en sus obras, entre una clase media-alta que no tiene problemas laborales ni economicos, pero si de amores, de no sexo o de sexo complicado. En el film hay muchos deja vu de otras comedias hasta formar un todo comico despreocupado y sin mas complicaciones, ni fomales ni estilisticas, aunque ya se asume que los cincuentones cunado eran jovenes tambien fumaban porros de maria, un tema que parecia tabu en Hollyowood, como esa borrachera de cincuentones que acaba sin remilgos en sexo compartido.

Nos encontramos con una comedfia protagonizada por cincuentones con una vida mas alla del divorcio y con nuevas ilusiones, sin caer en los topicos del INSERSO.

Divertida a ratos y para comentar con los amigos, amantes, señoras, hijos, hijastros,…

Viene a cuento este breve exordio para sumergirme de lleno en el comentario del filme del director senegalés Ousmane Sembene (1923-2007): “Moolaadé” (2005) porque en gran medida comparte alguna que otra connotación con lo recién expuesto. Estamos, sin duda, ante una película de tesis muy principal: una contundente denuncia de la barbarie de la ablación o emasculación del clítoris, práctica consuetudinaria existente en África (o mejor, en algunas de las “áfricas” a las que se refirió con aguda perspicacia el gran Ryszard Kapuscinski en su obra maestra: “Ébano”) que se sustenta en supuestos valores religiosos -de “purificación” islámica al decir del consejo tribal de sabios de la aldea de Senegal en donde se desarrolla la trama-, tradicionales y étnicos.

La propuesta fílmica de Sembene, desde un punto de vista antropológico y si se quiere cuasi-documental (con una cercanía relativa con la obra del francés Jean Rouch), es perfectamente eficaz en su pedagogía denunciatoria. Pero contiene otros valores de indudable interés humanístico y estilístico que no se pueden obviar, pues suponen toda una celebración, una epifanía de la mujer africana, de su rebeldía, de su coraje y solidaridad y de su belleza arrebatadora.

Aquí nos encontramos con seres de carne y hueso y no marionetas instrumentales, con mujeres que asumen un rol de conflicto, de lucha solidaria por sus derechos frente a la opresión del uso social, de la costumbre, de la tradición, que no otra cosa hacen, sino encubrir la pura y dura dominación y explotación machista (ojo, con la connivencia de algunas mujeres como las propias “purificadoras”) con el camelo culturalista del factor étnico-tribal y religioso (musulmán, en el caso). Y es que, en marcado contraste cultural con este ámbito represor, todavía hay espacios en nuestro planeta en donde una radio o una antena de televisión siguen siendo (la película es de 2004) un símbolo creíble de libertad y de desarrollo y no de idiotización mediática occidental.

Como ya apunté, esta película seductora se nutre de otros valores más propiamente cinematográficos, como, por ejemplo: una fotografía excelsa que nos muestra la belleza del paisaje, la arquitectura urbana (las cabañas de adobe, la mezquita del poblado con sus varas de madera intercaladas, las diversas tonalidades ocres de muros y paramentos…), la variedad multicolor de ropas, vestidos y enseres en lo que supone toda una celebración cromática para la mirada.

También los muy oportunos contrapuntos musicales con melodías y canciones de voces femeninas que tanto nos recuerdan al genial malí Salif Keita y a su coro de cantantes. O unas interpretaciones convincentes y apasionadas, no exentas de cierto histrionismo gestual, pero que no resultan irritantes pues siempre se acompañan de una burlona onomatopeya final o de una sonrisa cautivadora como coda paródica a la marea discursiva.

Y, ya para acabar, una narración que sigue la tradición estilística de los cuentistas, con muchos diálogos y parlamentos, de premeditada teatralidad en matices y énfasis de indudable raigambre moralizadora, que opera como una más de las mil y una noches, sólo que aquí en otro momento del día: la mañana, la tarde, todas ellas bañadas por una deslumbrante luz. No se la pierdan.

El resultado no es malo, es superior a las dos películas comentadas antes, pero tampoco estamos ante nada del otro mundo. La película nos cuenta dos historias de dos ex-reclusos, Darín hace de Vergara Rey, un antiguo capo que acaba de salir de la cárcel y que ve como su familia entera se ha perdido, su mujer se ha casado con otro y no quiere que vuelva a ver a su hijo. Por el otro lado tenemos a Ángel Santiago, un chaval que también acaba de salir de la cárcel y que se enamorará de una chica traumatizada. Entre los dos planearan un golpe tras el cual huirán de Chile.

El principal problema de la película es que las historias de sus dos personajes realmente dejan de interesar enseguida, y durante las dos horas que dura película Trueba se empeña en darles el principal protagonista, restando así metraje a lo único que de verdad sigue suscitando algún tipo de interés que es el golpe, Trueba no se atreve a hacer una película sobre atracos que es lo que debería haber hecho, la que sin duda era la opción más arriesgada también era la mejor, pero el madrileño es incapaz de sorprender.

Trueba es buen director de actores, un tío que ha conseguido una interpretación a la mismísima Penélope Cruz, cosa que no han conseguido ni Woody Allen (por mucho que digan) ni Cameron Crowe, no parece sencillo, pero él lo hizo, pero aquí es otro cantar, cuando tienes un monstruo de la interpretación como es el caso de Ricardo Darín (posiblemente uno de los mejores actores vivos) tienes que centrarte en el resto de tu reparto, no puedes dejarles que se queden al lado de Darín sin más, porque el resultado es claro, Darín se come al resto de los protagonistas de la película que no tienen ni un momento de lucidez en todo el metraje.

Este es el cine español que luego nos hace decir que todo el cine español es igual, no es una mala película, pero es una película como todas, es una película que no arriesga lo más mínimo, por suerte es algo que cada vez se perdiendo más. Ilógica también la decisión por parte de la academia de mandarla a los Oscar sabiendo que no tendría ninguna opción allí, y desde aquí alzó una voz ya que parece que no se haya dado cuenta, el año que Almodóvar haga película, y salvo caso muy excepcional, hay que mandarla a los Oscar, yo tampoco soporto al manchego, pero para los yanquis tiene algo que no hemos visto los españoles, puede que con ello no demos el ejemplo del mejor cine español, pero mandando películas como El Baile de la Victoria tampoco.

El fuerte de la película era su estelar reparto de doblaje en la versión original (Will Smith, Rober DeNiro, Renné Zellveger, Angelina Jolie, Jack Black y el mismísimo Martin Scorsese), en cuyos personajes interpretados es fácil distinguir ciertos rasgos y comportamientos de sus contrapartidas del mundo real.

En España fueron doblados por Fernando Tejero (muy de moda en aquella época debido a su éxito en la serie “Aquí no hay quien viva”; y como ya sucedió con “Cruz y Raya” en el doblaje de Shrek, el propio Tejero incluye una conocida frase de su personaje en dicha serie en la película), además de José Sancho, María Adánez, Mercedes Milá y Natalia Verbeke.

En resumen: entretenida producción dirigida a los más pequeños que reúne los ingredientes suficientes para ser disfrutada por toda la famlia.